守破離

先日習い事について、こんな記事を書きました。

「守破離」と言う言葉がありますね。


剣道や茶道などで、修業における段階を示したもの。「守」は、師や流派の教え、型、技を忠実に守り、確実に身につける段階。「破」は、他の師や流派の教えについても考え、良いものを取り入れ、心技を発展させる段階。「離」は、一つの流派から離れ、独自の新しいものを生み出し確立させる段階。


ある振付家の方が、この言葉が好き、と書かれていたような記憶があります。
振付家ですから、既に「離」の境地に達してる方。
確かに彼女の振付はかなり斬新ながらも、しっかり型に忠実な部分があって、見てて面白い。


何か会を企画する時、私なりに「離」の状態に持っていきます。
そして「守」の段階の人を「破」まで持っていくために、リハーサルをします。
踊りを見ていて、その人の中の感情や気持ちが優先になり、「守」を守ってくれない場合、かなり指摘することもあります。(これは昔から)

逆に「守」の状態の人が、「離」の本当の意味での心理が飲み込めない(中々理解しづらい)
のも分かる気がします。
かつて自分もそうだったけど、忠実に守るというのはメンドクサイし、しんどいもの。
自分を思い切り出したいし、また好みじゃない振付を踊ることも多々あったし。

でもやはり好き勝手させちゃいけないし、見逃してはいけないのです。
指導する側になると、色々見えてくるものですね。




10/29(土)
「祈りと希望を込めて」
この作品を、山本実樹子さんの演奏で再演します。

当時、母が年内生きられないかも、と言う知らせを受けた後なのと
コロナ禍の中で悶々とした日々を想って振り付けた、自作演目です。
ショパンの嬰ハ短調で踊ります。
ぜひご覧頂けると嬉しいです。

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バレエクラスのレベル(ネーミング)

最近はバレエクラスにも、様々なレッスンレベルのネーミングがあります。
基礎見直し、レベルフリー、基礎強化、基礎応用、超入門・・とか。

本来は、プライマリー、インターメディエート、アドバンス、この3つに分けて、夫々の内容に幅を持たせるために余り細かく分けず、そのレベルに該当する人達もしくは、その内容を受けることを望んでいる人達が集まるのが自然(だと、今でも思ってる)。

多分日本語特有の細かく分類化できてしまう表現ゆえに、更なる内容の詳細さを求める声に対応した結果なのかもしれません。

「初級」と銘打ってるクラスでも、ずっと(または数年程度)バレエを続けて来た人によって、感じ方がそれぞれ。
基礎的だったり見直しだったり、新しいことにチャレンジのようにも感じたり。
なので「◎◎さんが初級なのに難しい、って言ってたー」は余りアテにならない・・(笑)
ご自分の感じ方で活用してくださいね。


10/29開催・こちらのクラスも初級です。


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上手くなる=自分が変わる

先日撮ってもらった中から、またまたオモシロ写真。

「足」しかも「足裏」・・・強調・・・(笑)
今からポワントシューズ履くで、というところを撮られていました。

で、撮ってくれた方から「足の裏の皺がすごいー」と言われまして(しっかり見られとる)
確かに普通はそこまでシワシワじゃない(笑)
毎回タンデュで何百回も床を擦り、そしてこれまで(きっと)何万回も足裏使っていると
こんな風になるんですねぇ。

上手くなりたい、と言う声をよく聞きます。
上手くなるのは、自分を変えることでもあるのだけど、自分の目で見たもの、耳で聞いたものを信じないと変われません。
「言ってくれなきゃわからない」と言うのは、言われなければ自分では気づけない、と言うこと。
誰かに上手にしてもらう、のではなく、自分で変わっていく気持ちで。
もちろん、アドバイスはいつも惜しみなく。でもそれも、相手との信頼感が出来ていかないと、言えないものね。


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ご連絡お待ちしています。


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軸を感じるとか、なんとかかんとか

昨日の自分のツィートより。

【自分の中心にある的】
これを感じて動くことで頭は冷静になり、むやみに大きく動かず無駄なエネルギー使わないで済み、ホントにいざと言う時こそ、大きく動くことができる。

【軸】だと線で、【的】だとダーツのようなものをイメージするかもしれない。
どちらもそこに向けて、意識が集まっていく部分。
そう言った箇所が自分の中にあると、残りはアウトラインだから無理に形作らなくても良い。
自然にできて行くのを楽しむ。

型を覚えて動く際、形を作ろうと頑張らず、その型の中に自分を流しこむような
(本来は)そんなトロトロ状態の余裕のある心が理想的。
バレエとして動いていたら、必ず自然にその形ができる。

と、お菓子作りのようなことを呟いてみた。

https://twitter.com/kayanonsan

伝わるかどうかはさておき、目に見えない”力”の発露を表す時は、どうしても哲学っぽくなるのですが
だけど、本来「正しくうごく」なら、自分だけにある概念はイメージしていた方が良くて
そうじゃないと単に体を動かして得られる発散の方を、大抵は先に求めてしまうもの。

こんなの毎回言われてたら、気持ちよく動けない~となるんだけど
ここが質をよくする分かれ道、みたいなものなのです。

がんばろう。

10/29(土)生ピアノ演奏によるクラスレッスン&スタジオパフォーマンス行います。
当日のみ参加(参加特別枠)または、リハーサル付き(5回/10回)参加、のいずれかからお選びいただけます。クラスレッスンのみの参加もできます。

バレエクラスは10:30~12:00。ピアノ演奏は稲葉智子さん。
お問い合わせは下記の問い合わせフォームから。

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バレエが”分かる”ってなに?

こんにちは。バレエ教師兼ダンサーの河合かや野です。

最近「バレエを教えています」と言うと
「バレエってすごいですよね。人から見られるための踊りですよね!」と
(多分きっと)バレエには余り詳しくない方から、ご感想も頂くことが多いです。

相手とどう会話のキャッチボールを続けていくか、と言う部分だけど
的を得てる意見には、とても嬉しく感じるもの。
そういった方は、ご自身で「これらはこういった類のものだ」と、見抜くことに長けておられるのでしょう。
でもすごいことだと思うのですよ。

往々にして教わってる側は
「もっと知らなきゃ!」「(だからもっと)自分は上手じゃないと!」
となりがちなのに、物事の全体を見てる方からは
「それはそれだから・・」と言う、冷静な分析をされる。

バレエに限ったことではなく
プロVSアマチュアに対する目線の違い、かもしれません。

楽しみながら努力して(その場にしっかり監督している人も居るし)、伸び伸びと(アマチュアの場合)
またプロなら、それなりの結果やモチベーションを保つ。
きっとそれだけのことだと、思います。

バレエが分かる、と言うのは、作品の意図を掴むことなのか
総合的な芸術性について理解できていることなのか
それとも、美的なダンサーの表現力に酔いしれることなのか
私自身も「うーん・」と思う時があるのだけれど(多分全部だけど)
本来の的の部分に、気づけることなのかもしれませんね。




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バレエシューズで踊る

バレエシューズで踊るのと、ポワントシューズで踊るのとでは、多分

ポワントシューズ>バレエシューズ

のように感じる方も、多いかもしれません。

何となくポワントで踊れる方が優れてて、バレエシューズの方が格下、的な。

でも本当にそうなのかは疑問。

実はシューズも、作品を踊るための表現の一つになるからです。

ポワントシューズのすごいところは、ルルベとピケの違いだけで、ニュアンスが全く違って見える部分。そして足も長く見える。

とてもオールマイティなため、オーディション等では「ポワントが履いて踊れる」が、ある意味当たり前な条件になっています。

方やバレエシューズ、ドゥミポジション以上は高さが出ないため、つま先の強さや足首が強靭に伸びてることが美的ラインになります。

そしてアテールに立つのが容易なため、安心感が。(ポワントはソールに厚みがあるのでグラグラしやすい)

その他床との馴染みが良いため、コンテンポラリー作品ではバレエシューズを履いたりしますが、場合よっては裸足で踊ることも。

(裸足の方が摩擦が有って大変だろうなーと思う…)

ポワントで踊るのがまだ難しい場合は、バレエシューズでまずしっかりドゥミポジションを通って踊れることを目指してみてください。殆どのバレエ作品はポワントを履いて踊る前提の振り付けなので、アテールでペタっと立つことが少ないはず。

安心はできるけど、足のラインを保つのが難しいことに気づきだすと、ポワントで踊れた方が楽、と思えるようになって、結果それがポワント力の強さに繋がっていきます。

今回のスタジオパフォーマンス、バレエシューズで踊る方もおられます。シューズの違いは足元の表現方法の違い。なので向けられる注意も同じ。

バレエシューズでもぜひ、どんどん踊ってみて欲しいです。

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KAYANO BALLET STUDIO HP

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習い事をする意味 2

こんにちは。バレエ教師兼ダンサーの河合かや野です。

昨日、幼稚園バレエから帰ってきたら
こんな風になってました(笑)
子供達の元気やパワーで、毎回クタクタになる日ですが
ちょっとほっこり。


習い事をする意味

SNSの発達で、クラス風景などが手軽に見れるようになったのもあり
あそこではこんな雰囲気、ここではこんな様子、と分かるようになりました。
だけど、本来肖像権の問題もあるし、個人的には余り見せるもんでもないような
とも思うけれど、見えた方が安心なのかも。

ただ本当に大切なことは、動画には載ってなくて
その場にいる人だけが、分かること。

感覚を伝えること、体の使い方を指南されること
自らラインを生み出すこと、テクニックを分解して行うこと
音を感じること、自分の軸で立つこと
全て現場で、感じてみてください。
それが、自分の踊りに繋がっていきます。

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レッスンだけの参加もできます

こんにちは。バレエ教師兼ダンサーの河合かや野です。
いつもブログをお読みいただき、ありがとうございます。

10/29(土)のピアノ生演奏付きレッスン、講師の先生が中々決まらず
(舞台が多い時期でもあり)、私が担当することにしましたが
逆転の発想からすると、私にとっても良い経験になるなと。
(ピアノ付きレッスン指導は、幾度かあります)

普段はCDでのレッスンのため、テンポもメロディも知ってる状況で指導する環境が
その日はどんな曲が弾かれるか分からない、しかも音域の幅がある中で自分で音に乗っていく。
これは受講される方にとっても、プラスになることづくしです。
最近は、それ仕様のアンシェヌマンを組むこともあって
広いスタジオだとどんな風にみんなが動いてくれるか、楽しみです。

そして、その後のスタジオパフォーマンス。
きっと踊る生徒さんを見ていると、きっとご自分も踊りたくなるはず。
(だったら、踊っちゃった方が良いよ♪)

それは、自分に近いことを相手に投影できるからでもあるけれど
何かしら、ワクワクするものがそこにはあるから。

プロの舞台を観ていると、自分とは乖離しているように感じるし
敷居の高さを感じたり、気負ったり委縮したりするものですが
本当はもっと身近なものなはず。

上手に踊らなきゃいけない、というよりも
自分がこれまでやってきたことを信じる、と言った方がいいのかな。


コロナ禍もあって、これまでの土台がぺしゃんこになった自分が言うのもなんですが
「自分に自信を持って」やらないと、どんどん世の中は変わっていってしまうから。

スタジオパフォーマンス、追加情報その2

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自然体の踊りに近づく

舞台を観た時、「自然体」と感じるか

「なんか作り込んでるな」と感じるか

この二つは、どうしてもいやでも感じてしまうもので
もちろん創られたものなんだけど、それでも「自然に見える」と言うのは実はすごいこと。

バレエ鑑賞の際、技術に目がいきがちだけど
自分が踊るなら、そして指導するなら、自然体の方が良いなとは思う。
振り付けは作品によって全部違うもの。それらを自然体に見せられるというのは
まず基礎力と、あとは振付の導線をどうやってこなすか、にかかってる。


このところはこんな風にしたら、踊りやすくなるよ
このところは、こんな風にしたら、形がまとまって(整って)見えるよ
全部違うけれど、全て共通点があるもの。

クラスレッスンでも踊りなさい、とは言うけど
そこにどんな気持ちが伴うかは、無色透明みたいなもので
夫々の作品を練習しだしたときに、初めて色が付く、ような。
それが練習方法の軸になって、自分の色になっていく。
その人に似合う個性もあれば、全く違っていても良い。
日常の自分と踊る自分、2つのパターンをいつも持っているつもりでやっていればいいと思う。


むしろ、(本来は)それを教えるのが踊りの指導で
体の使い方等を改善したから、自分が望む踊りになる訳じゃなく
(もちろん大きなウェイトは占めるけど)
どうやったら自然体に近づいて、その人の色になっていくかをサポートするのが指導じゃないかなと
リハーサルを通じて、感じている私です。



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建設的なリハーサルのススメ ~自習編

先日建設的なリハーサルのススメ を書きましたが
今日は具体的な例として、自分自身が安心・納得でき
しかも効果的なヒントを書いてみます。


踊る時に大切な
「体の使い方(美しく見えるためと、積み上げた基礎力)」
「音(カウント)に乗る」
「踊る気持ち(表現)」の3つ
があります。

これらに、自分の得意とする(もしくは好きである)優先順位を付けてみましょう。

イメージトレーニングをしながら、その優先順位の順番で軽く踊ってみる。
スペースが許せば、お家でもできる範囲で
何なら足は動かさずに、上半身だけでも構いません。
得意(または好き)な順番なので、その時の感覚を覚えておいて欲しいのと
そして動画も撮っておくと、なおGood。

今度は、その逆で
苦手とする優先順位で、踊ってみましょう。
苦手なことを意識するのは、難しいですから
きっと踊りにくく感じたりすることでしょう。
だけど、こちらも動画を撮っておいてください。

二つを見比べてみると、必ず何か違いが見えるはずです。

多分見た目は、やりやすい方での踊り方が、自分自身では納得できるかもしれません。
だけど、苦手な方は「他人からの見た目」なので、改善点がまずクローズアップされると思います。
(ぎこちないなぁ・・とか、なんか暴れてないか?とか)

直される部分と言うのは、他者からの目線。
「そこを改善することで、もっと良くなる点」のこと。


そして、その差を埋めていく努力をすることで、踊る時に大切な
「体の使い方(美しく見えるためと、積み上げた基礎力)」
「音(カウント)に乗る」
「踊る気持ち(表現力)」の3つ

が重なり合い、自然に体が動く時が来ます。

これらは、スタジオで行う練習ではなく
自分でやれる、自習の一つです。

スタジオでのリハーサルは、より上の要求が来るものだし
指示でいっぱいいっぱいになってしまうことも、あり得ますよね。

だけどまず客観的に捉え、そして工夫することで
今の状態から良くなる方法は必ず存在しますし
「先生に言われたことだけ」が、練習ではないのです。

特にソロの場合、如実に良いも悪いも表に表れやすいから
練習方法のヒントとして、大いに活用して頂けたら嬉しいです。

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